Vicky, Cristina, Barcelona (2008). Dirigida por Woody Allen no tiene ningún interés hasta que aparece Penélope Cruz. Trata de dos norteamericanas que se van de vacaciones a Barcelona y allí conocen a un artista (Javier Bardem) con el que cada una de ellas vivirá una historia diferente; con Vicky (Rebecca Hall) tiene un encuentro de una sola noche pero que le hará replantearse su próximo matrimonio. Con Cristina (Scarlett Johansson) tiene un romance durante el verano que se hace del todo peculiar con la aparición de la excéntrica ex-mujer del artista María Elena (Penélope Cruz) que termina viviendo con ellos y formando un triángulo amoroso que termina rompiéndose cuando Cristina decide no continuar. Como decía, lo más destacable de la película es la interpretación de Penélope Cruz, quizá no tanto como para ganar un Óscar, que encarna perfectamente a una mujer desequilibrada y pasional, alejándose por fin de los típicos papeles a los que nos tenía acostumbrados. Desde luego es increíble la evolución de esta actriz de la que recuerdo su pésimo papel en Belle Epoque (Fernando Trueba, 1992) y a la que ya daba gusto ver en Volver (Pedro Almodóvar, 2006). Aún así, la película deja mucho que desear dado los ingredientes con los que cuenta, es decir, Woody Allen como director y los tres actores protagonistas. Esperemos no estar presenciando junto con el ascenso de Penélope Cruz como actriz, el declive de Woody Allen como director.

Una vez más les voy a hablar de Ricky Gervais, este genio inglés creador de dos comedias que son un icono en el país británico, comedias que fueron producidas por  la BBC y se repiten constantemente una y otra vez en la tv de UK, el mismo también fue quién las protagonizó , THE OFFICE y EXTRAS.

 Esta vez está en el cine con una comedia que se estrenó hace semanas atrás aquí en España , pero que ya fue estrenada en el mundo anglosajón meses atrás, ME HA CAIDO EL MUERTO, es el titulo que tiene aquí en España, su titulo original es GHOST TOWN  y está dirigida por David Koepp que en el año 2004 se hizó cargo de LA VENTANA SECRETA , película que protagonizó Jonny Deep y trata de un género completamente distinto a la comedia , el terror.

ME HA CAIDO DEL CIELO es una comedia fantástica que nos narra la historia de un dentista mal educado que odia a la gente y muere por 7 minutos durante una intervención . A partir de ahí gana la habilidad de ver a la gente muerta que le pide ayuda para ponerse en contacto con el mundo de los vivos.

El papel de cascarrabias y patético interpretado por Ricky Gervais es grandioso, y me hace recordar a aquel “extra”, egoísta y lleno de situaciones incomodas; una vez más el actor inglés interpreta el papel que tanto le caracteriza pero que tan bien hace.

Una comedia divertida, llevadera , y con una fotografía que sencillamente me fascinó, me encanta como muestran la ciudad de Nueva York, la historia es sencilla pero no aburre en ningún momento, el resto del elenco está muy bien y por último, la música es muy bonita.

La critica española no la puso muy bien, coinciden mas o menos todos en lo mismo, todo lo contrario para los anglosajones que dicen que es una comedia lujosa , en el terreno de Woody Allen; de mi parte no sé si coincido con lo último pero si digo que vale la pena verla.

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La Vaquilla” (1.985) de Luis García Berlanga es una de las grandes obras maestras del cine español, tan apreciada por el público como menospreciada por algunos sectores de la crítica. Admirada por varias generaciones, consiguió récords de taquilla y un reconocimiento del público rara vez visto en una película española. Debería ser considerada una de las principales joyas de la filmografía de Berlanga, a la altura de “El Verdugo” o “Plácido”. Ha sido la que más ha recaudado de todas sus películas, junto con “La escopeta nacional”, y programada en televisión en innumerables ocasiones. <?xml:namespace prefix = o>

 

   La historia transcurre durante
la Guerra Civil española. La película narra la historia de cinco republicanos que, sin pedir permiso, emprenden la temeraria acción de infiltrarse en el pueblo de al lado, en “zona nacional”,  para robar una vaquilla y así, fastidiarles las fiestas y de paso, comerse la vaca, para poner la moral de las tropas republicanas a prueba de obuses. Misión que se convertirá en una odisea desde el momento en que llegan a ese pueblo, debido a los continuos problemas que les irán surgiendo.

 

  “
La Vaquilla” es una película repleta de metáforas e imágenes simbólicas cuya finalidad es mostrar un alegato antibelicista, ceñido al ámbito concreto de nuestra guerra civil. Curiosamente, en esta sátira no se decanta especialmente por ninguno de los bandos, sino que Berlanga realiza una crítica de las dos zonas beligerantes, creando un mural costumbrista de
la España, o “españas” de la guerra civil.

 

   El éxito de “
La Vaquilla” se debe a un brillante guión, fruto de la colaboración de Berlanga con Rafael Azcona, posiblemente el mejor guionista que haya dado este país. El guión de esta película sufrió un proceso de maduración de unos 20 años, debido a los problemas con la censura, por lo que hasta 1.984 no pudo ser rodado.

   Otro de los factores que ha convertido “
La Vaquilla” en una película mítica es el reparto elegido por Berlanga.  

   Alfredo Landa interpreta al Brigada Castro. Un militar con muchos años de servicio, que cree en la disciplina como el pilar básico para el orden militar, pero que, paradójicamente, no consigue imponerla. De él será la idea de ir a robar la vaquilla. Cabe destacar la escena en la que el Brigada se pone un pantalón con varias tallas de más, mostrando la imagen de un hombre que se dispone, inconscientemente, a acometer una acción que se le queda demasiado grande para su capacidad.

   El Teniente Broseta es interpretado magistralmente por José Sacristán. Es un oficial que ha ascendido rápidamente, sin prácticamente experiencia militar, pues hasta poco antes de la guerra era peluquero. Intransigente e irresponsable, y amparado en su graduación, decide tomar el mando de la expedición, aunque esté mucho peor  preparado que el Brigada, como demuestran las inconscientes decisiones tomadas por el Teniente: atacar al toro con bombas de mano, llevar un torero aficionado para matar  a la vaquilla…

   Guillermo Montesinos es Mariano, un soldado republicano nacido en el pueblo de al lado, por lo que será elegido como guía de la expedición. La principal preocupación de Mariano no será conseguir la vaquilla, sino ver sus antiguas tierras, visitar a su novia o ir a ver a sus padres, dando para ello, innecesarios rodeos que pondrán en peligro la vida de los cinco de la expedición.

   Santiago Ramos interpreta a Limeño, el torero aficionado que el Teniente Broseta elige para matar a la vaquilla. Pero a lo largo de la misión se mostrará como una gran paradoja andante, pues en principio, afirma ser un buen torero, pero poco a poco, se irá viendo que es un cobarde patológico, que incluso se hace de vientre cuando tiene a la vaquilla delante.

   El quinto miembro de esta expedición es un cura arrepentido, interpretado por Carles Velat, que llevan con ellos como medida de seguridad. Es una imagen simbólica de
la Iglesia, representando a un cura impertinente y entregado a la gula.

   Estos cinco personajes, que son los que emprenden la acción de infiltrarse en zona enemiga para robar la vaquilla, conforman una representación simbólica de lo que fue la zona republicana durante la guerra civil, y que podría dar lugar a la reflexión sobre por qué
la República perdió la contienda: un brigada que se ve incapaz de imponer la disciplina entre sus hombres (desorden e indisciplina en zona republicana), un teniente sin experiencia que lleva a cabo acciones temerarias, casi suicidas (falta de preparación de gran parte del ejército republicano), y un soldado que está más interesado en ver a su novia, que en lograr el objetivo (mayor interés de gran parte de la población por sus asuntos personales que por lograr los objetivos militares de la guerra).

   Pero una vez que los cinco llegan a zona nacional, Berlanga lleva a cabo el mismo trabajo de crítica, esta vez con los personajes que se encuentran en la zona franquista.

   Entre estos personajes cabe destacar al Comandante nacional, interpretado por Agustín González, demostrando como siempre su maestría como actor.

   Rafael Hernández interpreta a un sargento nacional, que logra imponer la disciplina sobre sus soldados, incluso sobre toreros (al conseguir que el cobarde Limeño salga a la plaza como banderillero). La envidia que suscita este personaje sobre el Brigada Castro sirve para mostrar el contraste entre las dificultades que llegaron a tener los oficiales republicanos para disciplinar sus tropas y la férrea disciplina ejercida en zona nacional.

   Igualmente, cargados de carácter simbólico son los personajes ligados con la aristocracia: el marqués, interpretado por Adolfo Marsillach, y la condesa, (Amelia de
la Torre). El marqués es el ejemplo de una aristocracia cuyo único interés son sus propiedades, por encima incluso de los intereses militares de
la España nacional, a la cual apoyan. Esto se demuestra cuando el marqués recrimina a sus criados por no esconder unos corderos para evitar que se los lleve el ejército, o cuando exige al comandante nacional que organice un ataque contra los republicanos para recuperar su parte de finca en zona “roja” (a pesar de ser un claro error estratégico). Por otro lado, la condesa, una anciana que denota cierto retraso mental/demencia, es una mujer que goza de todas las atenciones, simbolizando así a una monarquía ya inútil e inservible, pero a pesar de ello, defendida por el franquismo, debido a los grandes latifundios y propiedades que poseían. Cabe destacar la escena en la que el marqués es abandonado entre las dos zonas, maniatado a su silla de ruedas, mientras un soldado le dice con una inconsciente ironía: “Está usted libre”. Ésta es la imagen que parece querer mostrar la película sobre una monarquía maniatada e inválida, perdida en medio de una guerra que prácticamente le es ajena.

   La lista de grandes interpretaciones es extensa: Violeta Cela, Mª Luisa Ponte, Amparo Soler Leal, Fernando Sala… y el gran Luis Ciges como el barbero.

 

   La sucesión de brillantes diálogos, el logradísimo tratamiento de los personajes, la genial utilización de los planos-secuencia por parte de Berlanga, así como la perfecta ambientación, dirección artística, utilización de músicas… hacen posible que cada secuencia sea una mini-joya del cine español, cada una estructurada magistralmente con su planteamiento-nudo-desenlace, dando lugar a una de las mejores muestras de narrativa audiovisual de este país.

   Esto queda patente desde la mítica secuencia inicial, en la que un soldado en calzoncillos se pasea por las trincheras recolectando papel de tabaco para después, intercambiarlo por tabaco con los nacionales. El soldado, interpretado por Valentín Paredes, se pasea entre unos soldados que se dedican a leer cartas, afeitarse, o directamente, dormir; todo ello, con el fondo musical del cantante Angelillo, mientras van apareciendo los créditos de la película.

   Una de las escenas más cómicas de la película es la del intercambio, en la que el Brigada Castro, acompañado por Mariano, se reúne en las líneas con un sargento nacional (Antonio Gamero) y otro soldado, para intercambiar papel de fumar por tabaco; incluso un soldado llega a preguntar a su superior si pueden intercambiarse, es decir, si el soldado nacional puede pasar a zona roja para ver a su familia y el soldado republicano a zona nacional para ver a su novia.

   Pero sería un trabajo extensísimo comentar cada una de las secuencias, aunque sean merecedoras de análisis debido a su gran calidad. Son muchas las inolvidables secuencias: la escena de presentación de la “Piporra”; la conversación con los rusos que van en el tanque; la escena en la que se bañan desnudos en el río miembros de uno y otro bando; la escena del burdel…

   Sin duda, las escenas más impactantes son las del final, como la escena en la que dos toreros de ambos bandos se disputan una vaquilla al anochecer, similar a una estampa goyesca, o la última escena de la película, en la que una vaquilla muerta entre las líneas, pudriéndose en tierra de nadie, es devorada por unos buitres, mientras suena “La hija de Juan Simón” interpretada por Angelillo. La sensación que quiere transmitir esta imagen es demoledora: un país (posible simbolismo de la vaquilla) desgarrado por una guerra que no ha ganado moralmente ninguno de los dos bandos, sino que ya solo sirve como carroña para los que puedan sacar partido de ella.

   “
La Vaquilla” es todo un símbolo en sí misma, la propia vaquilla viene a simbolizar posiblemente a España, o a la guerra civil, o quizá a los dos conceptos juntos, como puede apreciarse en cualquier escena en la que aparece o es mencionado este animal.

 

   L. G. Berlanga, junto con Azcona, supo crear con “
La Vaquilla” una de las obras maestras del cine español. En su momento, contó con el mayor presupuesto para una película española, logrando éxitos de taquilla. Recientemente, cabe destacar el guiño a “
La Vaquilla” que realiza Guillermo del Toro en su película “El laberinto del Fauno” (2006), en la escena en la que Sergi López se aplica la espuma de afeitar en la cara, mientras escucha “Soy un pobre presidiario” de Angelillo, recordando a la primera secuencia de “
La Vaquilla”.

   “
La Vaquilla” es una de las películas más recordadas y apreciadas del cine español, de la cual puede resultar difícil discernir dónde está el humor y dónde la visión costumbrista (cómica en sí misma). Quizá se trate de la película que mejor ha sabido expresar, sin ningún tipo de propaganda política, la actitud popular durante nuestro conflicto fratricida.

 

Gonzalo Tirado

El otro día me dio ganas de ver un poco de buen cine español  y recordé a un grande de la pantalla por estos lados, Fernando Fernán Gómez; que falleció hace muy poco fue el que me inspiro a ver esta película que consta con la dirección de José Luis Cuerda, La lengua de las Mariposas; esta película del año 1999 ganadora del Goya a Mejor guión adaptado, es un drama que nos narra los finales del invierno de 1936, en un pueblecito gallego, la historia de un niño de ocho años que se incorpora a la escuela, después de un largo tiempo,  y allí junto a su peculiar maestro interpretado por el genial Fernando Fernán Gomez empieza su andadura por  el aprendizaje, junto a la lengua de las mariposas, hasta que el 18 de Julio todo cambiará, relaciones rotas en una historia dura, triste, humanista, intimista, conmovedora, el director nos hace ver desde la poesía que llena cada línea de sus guiones, los duros días que se vivieron en aquellos tiempos de transición y libertad privada por esos pensamientos que no se podían decir en voz  alta, para mí es una de las grandes películas que debes tener en tu colección de buen cine, ahí en tu casa; cada minuto de ella nos retrata la sociedad de aquella vieja época republicana, los típicos personajes de aquellos tiempos , el cura del pueblo fascista, el comerciante burgués, mucha gente murió en aquella época por sus diferentes creencias políticas y es muy duro poder recordar, incluso más para la gente que ha tenido familiares o amigos con gente que le ha tocado vivir toda esta represión que estaba instaurada en España.

Una película maestra del cine español que merece ser vista, analizada, merece ser recordada, como la historia del 36 y muchas otras otras que forman parte de nuestra cultura.

Para cerrar con esta crítica quiero destacar además de la actuación de Fernando Fernán Gómez, la brillantez de ese niño de ocho años interpretado por Manuel Lozano, que nos aporta una visión distinta de aquella Guerra Civil Española, es muy probable que este niño, empiece a aparecer en muchas películas españolas , ya que pienso que lo hace muy bien, resumiendo todo…. Si no la has visto, debes verla!

Mar Adentro (2004). Bueno Mar Adentro es una película principalmente muy dura, quizá sobre todo porque todos hemos vista a Ramón Sampedro por la televisión pidiendo que se le devolviera su dignidad, y creo que todos (o casi) dibujamos una sonrisa cuando finalmente dieron en las noticias su ansiada muerte. La película está excelentemente interpretada por Javier Bardem, junto con Belén Rueda y Lola Dueñas. Para los que no sepan quién era Ramón Sampedro en esta película se le hace un retrato completo sin pretender levantar nuestra simpatía que no es más que compasión disfrazada, porque precisamente eso era contra lo que luchaba este hombre, que anteponía su libertad y su dignidad, porque al fin y al cabo qué somos sin ellas. La lucha de este hombre, fue una lucha contra las leyes que le prohibían ser dueño de su vida, y que reiteradamente le negaron el derecho de ser asistido en su muerte. La película está dirigida por Alejandro Amenábar, que junto con Javier Bardem se llevó el premio al mejor director (y actor protagonista en el caso de Bardem) de los premios del cine europeo, entre otros, porque también fue ganadora de la mejor película extranjera en los Oscar y los Globos de Oro. En fin, una película que no deja indiferente a nadie y que debería hacer pensar a muchos.

  Este 2008 se cumple el 20º Aniversario del rodaje de la mítica película de Jose Luis Cuerda, “Amanece, que no es poco”. En conmemoración, se están realizando diversos homenajes y exposiciones para rendir homenaje a esta influyente película, incluso, la productora Abycine se ha propuesto realizar un cortometraje tributo a “Amanece, que no es poco”, contando para ello con el equipo artístico de “Muchachada Nui”, deudores del humor absurdo que destila esta película.

 

  En 1988, el director Jose Luis Cuerda rueda esta película en diversos pueblos de
la Sierra del Segura (Albacete), gestando así el origen de esta película de culto del cine español, caracterizada por el surrealismo y el humor absurdo. J. Luis Cuerda hace un muestrario en esta película de los elementos que caracterizarán su estilo cinematográfico, una particular utilización del surrealismo y el absurdo para crear una comedia de carácter costumbrista, ambientando sus películas en
la España de épocas pasadas. Aunque poco a poco, todos estos elementos irán madurando, dando lugar a películas con más peso en el fondo que en la forma.

 

Fuera de Carta (2008) es de esas películas que enorgullecen el cine español. Protagonizada por el genial Javier Cámara, nos cuenta cómo la vida de Maxi (Cámara), chef gay de un restaurante en Chueca, da un giro radical al morir su ex-mujer y tener que encargarse de sus hijos. Para mayor complicación llega un  nuevo vecino que conformará un original triángulo amoroso junto con su metre (Lola Dueñas). Es lo que suele definirse como una comedia de enredo en su más puro estilo. A ello contribuyen Fernando Tejero y sobre todo Lola Dueñas (Volver) en el papel de metre y mejor amiga de Maxi; una treinteañera en busca del amor de su vida y enfrascada en un innumerable repertorio de fracasos.

La película está dirigida por Nacho García Velilla, uno de los creadores de la añorada Siete Vidas, en la que ya participaba Javier Cámara. También es de destacar la colaboración de Chus Lampreave como la intolerante madre de Maxi, que da el toque, cómico también en cierto sentido, de cómo aún se vive el tema de la homosexualidad y su posible curación; mostrando que realmente es ese tipo de pensamiento el enfermo.

En fin que es de esas películas que se entienden mejor y que da gusto ver, porque está en nuestro contexto y principalmente porque es de las pocas películas que logran arrancarte una carcajada, y eso tiene ya valor de por sí.

Volver (2006) es una película que recomendaría ver sobre todo a los que no sean muy devotos de Pedro Almodóvar. A pesar de tener los tintes propios del director, no se caracteriza la película como típicamente de Almodóvar. Otro de los motivos por el que recomendaría esta película, es Penélope Cruz. Si bien la actriz no me ha convencido nunca (más bien me parece bastante mediocre) hace, por primera vez personalmente, que disfrutes de su interpretación, lo que nos demuestra la importancia de estar bien dirigida. Lejos de sus acostumbras sobreactuaciones, en Volver, Penélope Cruz borda el papel, de hecho fue nominada a los Óscars como mejor actriz.

La historia, tan original como nos tiene acostumbrados Almodóvar, nos habla de los secretos que envuelven a una peculiar familia, donde los orígenes y la superstición terminan de dibujar el retrato completo de la misma. Pero, sin llegar a lo excéntrico típico de las películas de Almodóvar.

A raíz de la muerte de una tía de la protagonista (Penélope Cruz), a su hermana, empieza a aparecérsele el espíritu de la madre de ambas, recientemente fallecida; buscando el perdón de su hija, y llevándonos al desvelamiento de esos secretos que todas las familias ocultan, en mayor o menor medida y sobretodo grado.

Especial agradecimiento le doy a Almodóvar no sólo lo ya comentado, sino por el acierto en recuperar la una gran actriz como es Carmen Maura, a la que, sinceramente, se la echaba mucho de menos, y que, junto con Blanca Portillo, conforman la clave de porqué habría que ver esta película. 

   Los Santos Inocentes (Mario Camus, 1.984) es una de las películas icono del cine español, cuenta con personajes y escenas que forman parte de la memoria colectiva de este país, así como con algunas de las interpretaciones más logradas por actores españoles.

   Los Santos Inocentes es una adaptación de la novela homónima de Miguel Delibes. Realizada por Mario Camus, consolidado director que ha tenido un gran éxito llevando al cine obras literarias, como La casa de Bernarda Alba (1987) o
La Colmena (1982), entre otras.

 

   La película cuenta la historia de una familia extremeña que trabaja en condiciones de servidumbre para una familia rica. Esta familia acaba de ser realojada en una nueva finca, por lo que les adjudican las nuevas tareas a realizar, que llevan a cabo sin la más mínima reticencia, soportando los abusos y las humillaciones por parte de los burgueses que les dan de comer, además, tienen que mantener a una hija pequeña que padece una brutal enfermedad y al hermano de la madre, retrasado mental. La vida diaria de miseria, sufrimiento y humillación de esta familia se entremezcla en la película con fragmentos de un tiempo futuro en el que los hijos intentan encontrar una nueva forma de vida, en la ciudad.

 " La Biblia en Pasta" (1984) de Manuel Summers es una de las sátiras más irreverentes y absurdas que se hayan realizado sobre los textos bíblicos. Mostrando claramente la influencia de “La vida de Brian” de Monty Python, “ La Biblia en Pasta” es prácticamente la pionera en España en parodiar el Antiguo Testamento.

   Esta “loca historia de la Biblia” es una de las películas más recordadas de Manuel Summers, que comenzó haciendo un cine más complejo, siempre satírico y de gran calidad cómica, aunque no tardaría en adentrarse en terrenos cada vez más comerciales. Será recordado por su película sobre cámara oculta “To er mundo é güeno”, que llegó a tener dos secuelas: “To er mundo é mejó” y “To er mundo é demasiao”. También por las dos películas de Hombres G, el grupo liderado por su hijo, “Sufre, mamón” y “Suéltate el pelo”. La crítica no le guardó tanto aprecio como el público.

 " La Biblia en Pasta" está estructurada en cuatro actos que reflejan diversos capítulos del Antiguo Testamento: Eva y Adán; Caín y Abel; El Arca de Noé y La Torre de Babel. Todo ello narrado de un modo satírico y utilizando un humor muy absurdo.